A.Souza

De volta a Planície de Bites...

2009-10-12T06:16:00.000-07:00

Estudo de composição: durante acompanhamento da avaliação dos alunos de pintura; Meire saca a câmera e pinta com luz os bites cegos do suporte.

Casa dos meus olhos no Porto : FBAUP
Despedida noturna

Volto a casa da Mãe Joana, aos que tem paciência fiquem a vontade... aos que não, vejam as "figurinhas", nem todas são minhas, beleza...?
Voltar a minha casa sensível e real (de tijolos, aglomerantes e agregados) me deixou uns dois meses suspenso na realidade local, respirar novos ares me deixou um pouco mais exigente, mas continuo cheio de ar, também... Reacostumar, Redomesticar espaço, tempo e temperos.
Não tinha me dado conta de como estava amarelado e magro (imagem recorrente: aliens de MIB que correm atrás de café), pousar da terra de caras pálidas em terras de bronzeados, do "friozinho de ar-condicionado" a rua em terras de cozidos a vapor.
Há um ano partia, partido, mas ia...
Saudade lusitana...

Pois bem, tomando "ENFIM(S)" e partindo ligeiro, "Nessa casa não se dá novas boas vindas?", "'ôH' povo mal-educado!".

Louvre e Orientais

2009-02-10T10:11:00.000-08:00

O Louvre nasceu em 1791 com a reunião, no palácio homônimo que já era residencia real, das obras confiscadas pela Revolução e provenientes das riquíssimas coleções dos reis da França e de importantes coleções particulares. As aquisições foram continuando a efectuar-se ao longo do século XIX, em especial com Napoleão I ( apesar das restituições feitas durante a Restauração) e com Napoleão III. No ´seculo XX, efectuaram-se outras aquisições que viriam a colmatara as lacunas do passado.
SPROCCATI, Sandro (org.). Guia de História da Arte. 3. Ed. LISBOA: Estampa, 1997.

Os flashes anunciam a inquietude dos japoneses e chineses em pertencer as imagens, frente a oxidação causada pelo uso indiscriminado destes. Linguas passeiam aos ouvidos e as infindáveis telas pedem uma contemplação de no mínimo uma semana. Saturação imagética de apenas um dia para contemplação.

Exposição Mobilidade

2009-02-04T08:04:00.000-08:00

Exposição dos alunos Erasmus e de Mobilidade com o Brasil, a exposição permanecerá do dia 04 de fevereiro de 2009 até o dia 20 de fevereiro de 2009, no Museu da Faculdade de Belas Artes do Porto.

Abertura da exposição
(aspecto do espaço e da montagem)

Meire conferindo o texto do trabalho exposto

Fotografias de Teresa Querejeta (Espanha), esculturas no chão de Tanile Santos (Brasil) e esculturas de Matiss Kalnins (Letônia)

Observação

Gonzalo Villaronga (Espanha)

Professora Graciele Machado (membro do conselho diretivo) falando sobre a importância da exposição, ao lado dela o professor Pinto Coelho responsável pela curadoria da exposição, de malha rosa listrada Joana da Assessoria Internacional da FBAUP

Estelle Fonseca (França)

Joachim Monvoisin (França)

Meire Tavares (Brasil)

Alise (Letônia)

Teresa Querejeta (Espanha)

Matiss Kalnins (Letônia)

José Cárcamo (Espanha)

Ao chão esculturas de Michaela Dasková (Rep. Tcheca), na parede trabalho meu e paralelo a exposição a performance do professor Pinto Coelho

Anna Pietrzak (Polônia)

Jan Löbl (Rep. Checa)

Jana Vidaurreta (Espanha)

Caminhos do Porto

2009-01-27T04:02:00.000-08:00

Caminhos do Porto

Serigrafia e linha de croche sobre papel

60 x 200 cm (aproximadamente)

2008

Quais os caminhos que um imigrante pode percorrer? A cidade do Porto com seus mapas tentam nortear o visitante que aqui chega ao encontro de sua arquitetura e seu patrimônio artístico e cultural. Cada mapa parece tentar apresentar todos os valores historicamente construídos. História de resistência e lutas para além mar. O pardal, ave abundante no Brasil, tenta se nortear por estes caminhos e tenta encontrar refúgio em uma terra onde os habitantes detem parte de sua história e de seus laços de sangue. Criando assim uma história comum entre a sua terra e Portugal.

O trabalho proposto trata-se de serigrafia e linha de crochê sobre papel. O processo de produção gráfica serigráfica cria uma imagem plana a superfície do papel. Na tentativa de subverter a planaridade da serigrafia com a colagem de matéria confere a gravura um relevo sugerindo caminhos e além disso uma instalação. Os caminhos que nortearão o retorno a sua terra e a possibilidade de retorno a esta. Voar e deixar os fios que fará voltar a pousar sobre solo lusitano.

Impressões e Crítica

2009-01-20T03:56:00.001-08:00

Jardim da Faculdade, Hoje (11h40m)

Jardim da Faculdade, Hoje (11h40m)

Jardim da Faculdade, Hoje (11h40m)

Jardim da Faculdade, Hoje (11h40m)

Última aula de Crítica de Arte: Professor Helder Gomes a receber trabalhos de uma aluna)

Professor a chamar um a um e falar sobre os aspectos do ensaio crítico desenvolvidos

De pé: Carolina; com a mão levantada: Leonor; e tentando não aparecer na foto: Marta.

Quinze dias para o final do semestre. Interessante como essa semana, na segunda, me bateu um clima de despedida. Olhar todo o cenário ao qual participo(ei) e me ver quando iniciei tudo isso. Lembrei de quando cheguei no primeiro dia de aula (Crítica de Arte) e vi a imensidão de pessoas a frente, na escadaria. Me vi pequeno e com medo. Talvez o vermelho tivesse predominado meu semblante. Lembro de não frequentar a cantina, sempre cheia de pessoas, com medo ou vergonha. E hoje me pergunto vergonha de quê? Construi laços de amizade e estabeleci um fio que me guiará daqui a frente. Daqui ao desconhecido, a um novo começo. Observar-me envergonhado e ser o "Leâozinho" da Cantina, ou o "Marciano". "Leãozinho": em uma festa dos alunos de Escultura, no Pavilhão de Escultura, todos estavamos a beber e o churrasco de "febras", em um dia frio, todos se viram para Fernanda (uma amiga carioca) e perguntam "tem lume", eu espantado com a sutileza falei "se fosse no Brasil pediriam fogo, tens fogo (?)", viraram para mim e com um gesto fizeram-me "tigrão". Festas animadas. Por aqui, bebe-se na Faculdade. Cerveja, vodca... e isso é encarado de forma natural. O frio pede... "MARCIANO": Leonor ao se espantar com meu sobrenome tratou logo de me apelidar, e eu a ela de "Lagartixa" uma vez que ela mora em Paredes (hunrum! bom trocadilho). No momento experimento uma certa liberdade, todos os trabalhos já estão feitos e na próxima semana apresento o de Obra Gráfica no Museu da Universidade juntamente com alguns alunos da disciplinas. Sinto-me mais calmo e com uma inquietante certeza de que hei de deixar muito por esse solo. Hei de sentir saudade... semelhante a quando vim para cá. De coisas inconclusas do sentimento de falta. Saudade. Volto a fumar, coisa que fiz muito antes de vir. Artistas não servem para viver muito, eu sei(!), e tenho não me importado muito com o tempo. Tenho-o desperdiçado, tem escorrido pelos dedos e eu a me ver, a recordar.
Depois de uma sucessão de caminhos equivocados na disciplina de Crítica de Arte, finalmente um "A" e a certeza de que não sairei daqui com mais de dezesete valores (nota do melhor aluno da disciplina que fez um trabalho de 50 páginas, desconfio...), mas o que aprendi por cá me norteará em tudo o que fizer...
Ao sair da sala de aula, me deparo com coisas que nunca havia "avistado" antes: uma chuva de granizo. Pedras redondas de gelo a tornar a paisagem branca, parece sal... Mas que rápido dissolve-se. Céu cinza entrecortado por gotas de chuva e pedras brancas. Sentirei falta de tudo isso.
Voltarei ao meu lugar, minha terra e a minha Universidade e sentirei falta de tudo isso...
A saudade me bate com uma dualidade espacial e temporal, sinto falta dos que deixei e irei de sentir falta dos que estão por cá.
Não traço mais planos, deixo o desenrolar do fio me guiar...

Ensaio Crítico produzido na disciplina de Crítica de Arte na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto

2009-01-16T03:34:00.000-08:00

Arthur Bispo do Rosario
Manto da Apresentação
Tecido e fios. 118. 5 x 141 x 20 cm.

Arthur Bispo do Rosario

Manto da Apresentação
Tecido e fios. 118. 5 x 141 x 20 cm.

Caetano Veloso vestindo Parangolé de Hélio Oiticica

Aspectos da Exposição

A PARTIR DA PRIMAVERA NOCTURNA

de Claudia Bakker, Galeria Graça Brandão, Porto, Portugal

(20.09.2008-31.10.2008)

Brasil. Anos 60 (1960).  A hegemonia do capital das multinacionais, partindo da internacionalização, deu origem a uma nova etapa do Capitalismo. As medidas adotadas por João Gulart com a finalidade de atenuar o grave problema da desigualdade social e as pressões políticas que vinha sofrendo dos movimentos de esquerda, fez com que as camadas sociais dominantes (elites dominantes do capital nacional: classe média e alta), percebessem os sintomas que poderiam romper com a manipulação das massas. Aliadas ao governo americano, com a participação do Congresso e do Exército instauram no dia 31 de março de 1964 a Ditadura Militar. Imposta por Atos Constitucionais, fundamentadas por leis e decretos militares, estabelendo um período de vinte anos de repressão às manifestações culturais, sindicais e anulação de direitos adquiridos em acordos conseguidos por movimentos sociais.

É neste contexto político que surge o principal movimento artístico pós-modernista brasileiro caracterizado pelo protesto político e social: a Tropicália. Um movimento que se inicia na música por Gilberto Gil, Caetano Veloso, Nara Leão, Gal Costa, Tom Zé, da banda Mutantes e Torquato Neto, dentre outros. Movimento este que procurava  universalizar a linguagem da Música Popular Brasileira, incorporando elementos da cultura jovem mundial, como o rock, a psicodelia e a guitarra elétrica. Unindo o popular, o pop e o experimentalismo estético. Composições de caráter crítico que compunham o quadro complexo em que o Brasil estava imergido.

O  Movimento Tropicalista teve seu campo expandido da música às artes plásticas compartilhando de estéticas e conceituações ligadas diretamente aos percausos políticos que o Brasil estava a enfrentar. Hélio Oiticica ao utilizar materiais efêmeros (madeira, carvão, terra crua, tecido) denunciava a democracia “faltante”, agindo como um artista propositor: o artista apresenta as ferramentas plasticamente construídas e o espectador é o ator sobre este trabalho (obra). Democratizando as obras e o acesso do público ao espaço de exposições como metáfora a supressão das liberdades individuais de expressão.

Desenvolve-se após este período uma produção embasada na desconstrução dos elementos primeiros da arte (suporte e material) partindo para uma arte conceitual ligada e o “experimentalismo” nas artes visuais. Claudia Bakker - artista carioca, atuante no eixo Rio-São Paulo, que realiza desde 1994 instalações e performances, com o registro fotográfico, que novamente são retrabalhados e resignificados em novos suportes - ao intervir ora sobre o espaço, ora sobre o suporte, com materiais efêmeros (luzes, maças, tecidos e cordas etc), tende a retomar estes experimentos com o efêmero.

A exposição “A Partir a Primavera Nocturna” é a retomada das experiências estéticas decorridas da exposição “Primavera Nocturna” na Fundação Eva Klabin, Rio de Janeiro,  no ano de 2007, onde interviu sobre uma sala de jantar com cordas e documentou em uma série de fotografias, expostas posteriormente. Nesta exposição apresentada no Porto, Portugal, retoma o desenho abstrato a sua produção artística. Mas com a significante influência cromática presente em sua exposição anterior, assim como os tropicalistas que utilizavam luz e cor como elemento simbólico e significativo nas obras.

Ao se penetrar o “cubo branco” da Galeria Graça Brandão o expectador se depara com o silêncio-branco da galeria entrecortado com sons-vermelhos. A calma-limpa-branca maculada por desenhos. Muito mais silêncio, do que sons. Poucos trabalhos apresentados, seis . A primeira vista o espectador observa apenas três trabalhos, dois a recepcionar o espectador (“É Primavera e a Espuma do Mar Brilha à Noite” 164,5x134,5cm, “Na primavera Nocturna o Céu é Rosa ao Entardecer” 164,5x134,5cm, ), um à esquerda e outro a direita, e um ao fundo ( “O Dragão Vermelho e as Algas Flutuantes”, 164,5x134,5 cm) . Mas o caminho da exposição nos leva a observação da parte central da exposição, ritmicamente constante com a série fotográfica “Fragmentos da Primavera Noturna” (8 fotografias de 11,5x10cm), que liga a presente exposição a anteriormente apresentada, em 2007. Mas isso ainda deixa um grande espaço branco para o entendimento do espectador, que logo é iluminado pelo texto da exposição, onde a artista  lança os fios ao expectador para que possa tecer sua história e suas interpretações sobre as experiências estéticas apresentadas. O texto da exposição serve como “fio condutor” ao expectador que pode sentir-se na corda bamba entre continuar a observar o trabalho e ir embora.

Há no trabalho de Bakker uma inquietação e uma “regressão” ao passado, as questões da infância, a linha vermelha que se estende sobre o tecido branco, percorrem o espaço limpo e tentam traçar caminhos, emaranhados no tempo e no espaço, ora revisitando-os ora traçando novos rumos (construções lineares mais “limpas”).

Há na exposição um caminho que ora pode tentar ser conduzido pelo texto e ora pela série de fotografias da exposição realizada no Brasil, a ocorrência da redução de escala, se comparado o trabalho intervencionista, sugere uma “maquetização” com a fluência e dispersão de mais cordas pelo espaço.

Os trabalhos expostos recorrem ao gesto, algo presente nos trabalhos expressionistas abstratos, como os trabalhos de Pollock, mas o rítmo é constante com linha melódica única. Nota-se o movimento gerado pelo desenrolar e re-enrolar o novelo e a linha. Na tentativa de tecer. De tercer sobre o tecido algo biográfico. A posterior “colocação” sobre o tecido branco. Criação de pontos confusos de grande emaranhado, nós, desenhos livres, ora harmônicos ora desconexos na sinfonia do quadro, criando composições ora equilibradas ora dissonantes.  E a propagação da cor-som-energia pelo espaço expositivo. Os trabalhos estão enclausurados sob moldura e vidro. Que impedem que as correntes de ar gerem na planaridade do tecido uma reverberação, o movimento livre, a ondulação do próprio suporte unindo-se a emissão de luz vermelha, que poderia gerar ao trabalho as interferências construtivas e destrutivas sobre o desenho.

“A imagem, entendida como forma de apropriação do mundo, fica a oscilar entre a sua apresentação e a sua modificação. Com efeito, a imagem do mundo pode ser tanto a representação da realidade como a constituição verbal que permite mediar a figura do mundo (p.15)” Fernando Guimarães,  em A Obra de Arte e o seu Mundo (Quasi Edições),  cita a abstração na produção contemporânea delimitando um caractér subjetivo e claramente visto nos trabalhos apresentados na exposição. Os títulos dos trabalhos remetem a uma contemplação ora “com os olhos de ver” e tentar “achar” algo pictórico, ora em tentar traçar um percurso conceitual que o ligue a experiência proposta pela artista, que além de traçar uma conexão com o trabalho de Hélio Oiticica ao utilizar do “cromatismo vermelho” em seus trabalhos se liga ao trabalho de Arthur Bispo do Rosário (1909-1989), artista sergipano, “esquizofrênico-paranóico” que parmaneceu por cinquenta anos internados em um manicômio em Jacarépagua, Rio de Janeiro, que produzia objetos com materiais oriundos do lixo e de sucata que, após serem descobertos, foram classificados como arte vanguardista e relacionados ao trabalho de Marcel Duchamp, mas o seu trabalho mais conhecido é o “Manto da Apresentação”, que seria utilizado no Dia Juízo Final e marcaria a passagem de Deus na Terra, além de manipular signos com a construção de discurso fragmenta a comunicação em códigos privados, criando assim a abstração ao espectador, mas significante ao nível da experiência pessoal do artista.

Os trabalhos apresentados em “A Partir da Primavera Nocturna” se  interligariam a uma produção surrealista se não fosse o carácter conceitual e dialético, que também é evocado no trabalho de Bispo do Rosário: o que é artesanal (?), qual o “limite” entre o objeto de arte e o artesanato (?) e para elém disso qual o limite entre o real e a abstração (?). Os três artistas partindo de algo manualmente feito (artesanal) e consceitualmente construído (“obra de arte”, na contemporaneidade) quebram esta barreira. Bakker propõe isto em um período onde a arte é marcadamente influenciada pelo fluxo veloz do byte, com a manipulação e criação virtual. O retorno ao artesanal é, se não, um suspiro de liberdade individual artística a “evolução” desenfreada e aniquiladora que a tecnologia parece impor a arte e a vida, um retorno, um pouco calmo sobre o colo da avó que trama em suas mãos sua memória e a sua vida. Há maternalismo. Na primavera as flores reaparecem sobre os campos demarcando um período de fertilidade e de multiplicação, o vermelho oriental-sangue marca o período de início e fim, a felicidade floral e o término em sangue. 
Os trabalhos apresentados nesta exposição estão conectados com a produção contemporânea brasileira dos anos 60 e 70. Não é uma exposição de fácil percepção para o expectador, que ao percorrer as galerias comerciais da Miguel Bombarda, no período, pode achar “só mais uma”, não valorando, primeiro pelo desconhecimento cultural, dos aspectos históricos e sociais ao qual as obras surgem, se quiser “fruir” o trabalho apresentado e tentar conectar-se interpretativamente a autora. É uma exposição para ser vista com calma e paciência para se tentar criar um fio entre os trabalhos, e para tornar significativa a experiência de contemplação e construção própria de significados, uma vez que a artista apresenta uma “obra aberta”. Olhar e tentar perceber em si onde os fios o tocam e onde tecem significados com o apresentado. Remeter a infância colorida e as experiências táteis. Brincar com o fio da vida que é vermelho.

"devoto de São Francisco"

2008-12-23T09:35:00.000-08:00

Delicadezas e Rumores

2008-12-23T09:17:00.000-08:00

Ateliê de Leonor e Marta

2008-12-23T08:56:00.000-08:00

Bárbara (me perguntando que chá quero), Leonor (agachada ligando o projetor) e Marta (ao computador)

O pé direito é ótimo...

FBAUP - Faculdade de Belas Artes do Porto (em construção)

2008-12-23T04:06:00.000-08:00

Sala 301 (FBAUP)

2008-12-04T09:29:00.001-08:00

pequenos

grandes (chapas de alumínio de 35x45cm, retalhos e prova mal sucedida)

provas de estado
provas de estado
sala para impressões em prelo calcográfico, preparação de tintas e papéis, secagem, quarta casa...

sala para impressões em prelo calcográfico, preparação de tintas e papéis, secagem, quarta casa...

em Fermentações Visuais (Tribuna do Norte, 02/12/2008)

2008-12-03T04:22:00.000-08:00

CONVERSANDO COM ARTUR SOUZA 

Entrevista concedida por e-mail para Sânzia Pinheiro, Jean Sartief e Afonso Martins

Dando continuidade às entrevistas com os premiados nos salões de Natal, segue aqui a conversa com Artur Souza, premiado no II Salão Abraham.

FV - Como você percebe a evolução das artes visuais em Natal/RN nestes últimos anos?

Não tenho percebido uma evolução nas Artes Visuais no Estado, acredito que o que surgiu no cenário norteriograndense foram novos artistas "antenados" com a produção contemporânea. Até, porque acredito na coexistência de produções modernistas e contemporâneas sem tornar artistas que produzem sobre aspectos modernistas menores. Temos grandes artistas, acredito que temos pouco espaço para exposições (e investimentos!), o que torna este convívio tumultuado e concorrido. Há um afastamento e uma concorrência entre artistas. Iniciativas tomadas pelo estado e prefeitura como palestras de artistas "renomados" (e com propostas contemporâneas) são importantes, mas acredito que são discriminatórias a ponto de querer que artistas "modernistas" produzam trabalhos contemporâneos. Acredito na liberdade de produção, não importando o suporte ou a temática. A coexistência é importante, acredito que há espaço (de mercado fruidor de arte) para todos. O espaço físico é que me parece ainda ser um problema.

FV - Você pode dizer um pouco do processo dessa obra premiada?

"Madon(n)as" é uma série infográfica, com a apropriação de imagens virtuais e a assemblage de pixels. Foi um trabalho realizado na disciplina História da Arte na Universidade sobre as madonas de Duccio de Buosegna. Lembro-me que antes de produzir esta, o professor Vicente Vitoriano, mostrou um trabalho chamado "Courbet de Plástico", que foi apresentado na mostra de Arte Postal no NAC. Se tratava de uma série infográfica com a aplicação do "efeito virtual de plástico" sobre trabalhos de Courbet. Estes trabalhos produzi em 2007, com a manipulação digital das imagens das madonnas de Duccio de Buosegna, Madonna e Marilyn Monroe (a madona de Andy Warhol). Pensei em retratar um pouco essa cultura pop e suas "sacralidades", propondo "uma fé mais atraente". Estavam guardados. No período em que abriram inscrições para o Abraham Palatnik, estava a tratar das questões da viagem e nem pensava em mandar algum trabalho. Foi quando Vinicius Dantas insistiu que inscrevesse a série que se tratava de um trabalho interessante, isso há um dia para o término das inscrições. Me inscrevi de última hora e não esperava que fosse um dos premiados. Só posso ser muito grato a Vinicius Dantas...

FV - Qual a sua formação e como ela contribui (ou não) para o seu trabalho artístico?

Sou formado em Tecnologia em Produção da Construção Civil pelo CEFET-RN e sou estudante do curso de Artes Visuais pela UFRN. A minha primeira formação trouxe a minha produção um olhar sobre a cidade, sobre uma série de tecnologias que se emprega na construção, em suas problemáticas ambientais e sociais. Foi onde iniciei os estudos em arte com o professor David Júnior, que ensinava desenho de observação e pintura a óleo. Foi a partir daí (2003) que iniciei uma produção, inicalmente na pintura e desenho. Mas foi no curso de Artes Visuais e na abordagem histórica e crítica da arte que comecei a observar melhor os contextos artísticos e é importante para a minha produção artística. Se hoje, estou cursando Artes na Faculdade de Belas Artes do Porto (Portugal), isso é graças a universidade e as oportunidades que cada vez mais vem se estabelecendo entre universidades no extrangeiro e a UFRN. A Universidade é uma porta para se ir onde se quer... Mas é importante observar que não é estanque. É necessário que o aluno também esteja "antenado" ao que se produz fora do contexto que pesquise, se informe e faça cursos outros...

FV - Do que você sente falta na cidade relativo ao seu campo de trabalho?

TUDO!!! Não há espaços, não há uma política de incentivo (duradoura)... Estamos desamparados... entregues a sorte e as aventuras além-mar...

FV - Você desenvolve alguma pesquisa? Poderia falar-nos sobre ela?

Hoje, desenvolvo pesquisas relacionadas a "sinestesia", de como sonorizo a forma e como "formalizo" o som. Tenho pesquisado sobre os trabalhos de John Cage e um pouco sobre Duchamp, além das poéticas modernistas do musicalismo, movimento muito ínfimo e com poucas obras relacionadas. Tenho produzido algo relacionado a isto, com a influência da imagética do mangue-beat. Mas, tenho pesquisado sobre a performance e como poderei "encaixar" isso na minha produção. Iniciei a produção de videos-arte. Não tenho uma linha de suporte, só poéticas que me guiam. 

FV - Quais os planos futuros?

Produzir, Produzir e Produzir. Me jogar a editais, a consolidação de um grupo artístico, estudar, fazer meu mestrado, doutorado... AMÉM!

Extraído de: http://fermentacoesvisuais.blogspot.com/2008/12/57-fermentaes-visuais-tribuna-do-norte.html acesso em 03 nov. 2008

Ave Maria do Santíssimo!!!

2008-12-03T03:24:00.000-08:00

Sempre tive um fascínio muito grande pela cultura popular e suas manifestações. Dona Militana, Maria do Santíssimo, são resquícios de uma produção que nos conectam a produção colonial de arte. Quando tudo nos parece fugir de nossa essência elas continuam firmes em seus versos e suas imagens. Me motivam a continuar e a produzir. Acima, uma série de aguarelas e desenhos a nanquím com pincel de sumiê sobre os trabalhos de Maria do Santíssimo. Uma leitura sobre sua imagética e a produção de alguns novos significados. É uma série de aguarelas-postais: te envio o que está perto de ti e não conheces e/ou te envio o que está perto de mim e longe de ti em minha memória visual. PUTZ! Preciso criar um conceito...!

Maria do Santíssimo (texto extraído)
Natural de São Vicente/RN, região do Seridó, Maria Antônia do Santíssimo nasceu em 21 de dezembro de 1890 e faleceu em 4 de dezembro de 1974. Chegou a ser reconhecida nacionalmente, como uma das mais autênticas pintoras populares do Brasil. Iniciou-se na pintura aos 9 anos, desenvolvendo uma temática sempre constante, formada pela flora e por animais, cujos trabalhos passaram a integrar o cotidiano do sertão, ora estampados na face interna das tampas dos velhos baús de pregarias, ora nas camarinhas das casas sertanejas, em oratórios e paredes das salas de visita dos coronéis da região. Contam que seu marido, o Sr. João Antonio de Maria, lançou-se comerciante vendendo as pinturas produzidas por Maria Santíssimo, em cada vila do interior por onde passava. Maria do Santíssimo recusou o papel cançon e a tinta guache que lhe ofereceram, porque, para ela, todo o sentido dos seus trabalhos, das formas dos galos, cajus, pavões e roseiras, somente se fixaria na anilina e no papel mais simples. De suas pinturas emergiam a vida e seu cotidiano. "Os burros eram lembranças dos cavalinhos de carrossel, ingenuamente amarrados pelos arreios aos troncos das espirradeiras. Os melindres, pequenos galhos de uma plantinha doméstica criada em vasos, chamada alfinete, colocados nos cantos dos desenhos para complementar o equilíbrio das composições, pareciam penas-de-escrever, brilhando em verde. Sua temática floral registrava o conhecimento de sua flora de canto de muro: cravinas, cravos, malvões, espirradeiras, boas-noites e dessas flores de papel para enfeite dos santos nos altares, oratórios ou nas procissões de festas", registra Iaperi Araújo. Em sua homenagem, a Universidade Federal do Rio Grande do Norte - UFRN e a Fundação José Augusto criaram os prêmios de pintura "Maria do Santíssimo", hoje, desativados. A Prefeitura Municipal de São Vicente deu seu nome à Biblioteca Pública da cidade. A pintora consta como verbete dos seguintes livros: Aspectos de Pintura Primitiva Brasileira, de Flávio Aquino (Spala, Rio, 1978); Dicionário dos Artistas Plásticos do Brasil, de Carlos Cavalcanti (Ed. MEC/FUNARTE, Rio); Dicionário das Artes Plásticas no Brasil, de Roberto Pontual (Ed. Civilização Brasileira, Rio, 1971); Enciclopédia Delta Larousse; Festas Brasileiras por seus artistas, de Geraldo Edson de Andrade (Spala, Rio, 1980); e Maria do Santíssimo - uma pintora popular, de Iaperi Araújo (Ed. Gráfica Manimbu, 1966 e Editora Universitária, 2é edição, 1981). EXPOSIÇÕES REALIZADAS· Exposição Individual na Galeria Villa-Flor, em Natal (1968) · Exposição Individual na Galeria Renascença, em Natal (1970) · Exposição na Galeria Goeldi, no Rio de Janeiro (1970) · Trienal de Pintura Primitiva, em Bratislava, na Tchecoslováquia (1973) · Salão de Verão do Jornal do Brasil, no MAM/RIO (1974) · Exposição na Galeria Rodrigo Melo Franco, na FUNARTE/Rio (1979) Fonte:"Cidade de São Vicente - Vida e Memória" Luís da Câmara Cascudo, Iaperi Araújo, Iaponan Soares e José Lívio Dantas EDUFRN (1997) Este é um dos maiores valores das Artes da cidade de São Vicente / RN. (Fonte: http://seridozunzum.blogspot.com/2007/10/maria-do-santssimo-natural-de-so.html)

Maria do Santíssimo, a arte primitiva e bela (texto extraído)
Pintora primitivista que jamais compreendeu a importância e o alcance de sua obra, Maria Antônia do Santíssimo nasceu em São Vicente, RN, em 1890, e faleceu no mesmo município da região seridoense, em 1974. Pobre, de hábitos simples, era voltada para as prendas domésticas, sem vislumbrar par ao seu futuro nada além da cerca-viva, da paisagem de xique-siques, dos açudes castigados pela estiagem. Pintava desde criança, inspirando-se na fauna e na flora da região. Fabricava seus pincéis a partir de palitos da folha do coqueiro e pintava com anilina sobre cartões simples. Os temas brotavam de vivências e lembranças recriadas por sua imaginação, em traços simples e de muita pureza. São galos, pavões, pequenos animais domésticos, cajueiros, flores e frutos do sertão, tudo com o toque mágico de sua arte. Em 1962, sem jamais sair de sua terra natal, Maria do Santíssimo viu sua carreira ganhar um grande impulso, graças ao pintor Iaponi Araújo. Até então, os quadros da pintora estavam restritos a pequenos oratórios, a velhos baús e mesmo a paredes da sala de alguns coronéis da região. O seu marchand, tão primitivo quanto ela, era o marido João Inácio. Com o apoio de Iaponi Araújo, artista sensível e também seridoense, os principais centros de arte do país começaram a conhecer a obra de Maria do Santíssimo. A partir dos 72 anos de idade, Santíssimo saiu do anonimato par ater sua arte vista, elogiada, consagrada como uma das melhores do país. Seus trabalhos foram exibidos em grandes museus brasileiros e na Trienal da Pintura Primitiva de Bratislava, Tchecoslováquia. Tem obras no acervo do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e de São Paulo, no Museu do Folclore do Rio de Janeiro, no Palácio do Itamarati, em Brasília, e no Museu de Pintura Primitiva de Assis, em São Paulo. Faz parte do Dicionário de Pintores Brasileiros, com verbete escrito pelo crítico Clarival de Prado Valladares, que ressalta: “Artista genuína que transfigura rosas, cajus, aves e cravos em elementos abstratos, com a versatilidade e o deslumbramento de um caleidoscópio.” Maria do Santíssimo, imortalizada por sua arte primitiva e bela, deixou de pintar aos 83 anos de idade, um ano antes de sua morte.
(fonte: http://www.senado.gov.br/web/senador/garibaldi/santiss.asp)

A Partir de Novos Horizontes em Branco

2008-12-03T02:49:00.001-08:00

Novos Espaços, Sítios Novos

Confias em quem te promete companhia? Contra a solidão? Contra a tristeza? "O frio há de chegar e sentirás só..." Sentado a beira da porta. Faculdade de Belas Artes do Porto. A observar o movimento no passeio. Cansado de procurar lugar para ficar, para pousar... Duas senhoras vem, ao longe, conversando. Me vêem e perguntam se conhecem alguém que precisa de sítio (lugar) para ficar. Não conheço. Sou "novo". Mantenho um diálogo. Falam sobre uma amiga que está interessada em alugar um quarto. Falo sobre a minha necessidade e a cidade. Pegunto-lhes o telefone. Elas não o dão. Mas indicam os caminhos. É perto! Às duas, me encaminho até o lugar para visitar o quarto e ver se tem todos os "equipamentos" necessários para a minha estada. Havia. Acerto. Era quarta, ia na sexta. Tudo certo. Me aparecem com argumentos anti-solidão, não resisto, a final acreditava que conheciam bem tudo isso, mas... Vou. Volto a casa das senhoras para pedir desculpas e tudo já está. Vou de mala e cúia. As promessas são boas, haverá mais espaço em breve e tudo é partilhado. O "em breve" passa e o "tudo partilhado" se transforma em "isso é meu e isso é seu". Coisa que nunca tive em casa. Mesquinhês. Chega mais um tripulante no "submarino amarelo" de dois compartimentos. E tudo se torna binário: dois grupos de dois. "O que é meu é meu" torna-se mais convicto e as esperanças começam a falhar. Os caminhos começam a se fechar. Por quê? Será que já respondi? Talvez... Estou só em uma casa com 4. Preso a torre de onde observo tudo. O "conto" me faz lembrar o da Gata Borralheira, mas sem fadas, nem finais felizes... Solidão e tristeza. Reclamações. Não tenho lugar. Divido tudo, faço parte, mas parece que há sempre uma irmã chata a dizer o que fazer, como tudo deve ser e a reclamar de sua falta de sorte. Religião? Pode ajudar, mas não faz tudo. "Vigiai e Orai", mas "fazere senão não tere". Arrumo os baús uma vez. Mas há um elemento que me liga. Uma parte que me conecta a "bola de ferro" da torre... Não parto. Me escuto partindo aos cacos. E a tristeza aumenta, por querer e não poder. Conheço pessoas. Me ajudam... Já tenho algum lastro. Tomo coragem, bato novamente as asas e parto. Meio triste. Mas necessário para que voe mais alto. Ligo, marco tudo novamente e me sinto livre, e bem acolhido. Um espaço que ainda me destina algumas surpresas...
(continua)

sobre Souza e Maciel...

2008-12-03T02:05:00.000-08:00

(fotos: Diego Medeiros, Nayara Costa e Vinicius Dantas)

Fotos da abertura do Salão Abraham Palatnik
e de A-binários de Vinicius Dantas

O quanto os filhos "carregam" de seus pais? Vivo a me perguntar isso. Me lembro que desde criança via a minha mãe a fazer crochet, preparar nossa festas e trabalhar suas "artesanias", assim como o meu pai a trabalhar com ferro e concreto, com sua "artesania" para construção. Acredito que trago um pouco disso, um lado mais sensível e um lado um pouco mais pesado, em equilíbrio, às vezes desequilibrado. Mas vê-los em exposições e recebendo o prêmio por mim me encheu de um orgulho, porque sei que grande parte do que sou devo a eles, ao seu trabalho, aos seus esforços em me dar o que sempre há de melhor (dentro de suas possibilidades) e de me deixar voar, para tão longe, fora de seus domínios e de seguir um caminho (que eu sei!) que não é tão fácil. Errei muito, e hei de errar muito, mas isso é parte de uma endoconstrução, e de caminhos que escolhi. Se, hoje, vôo, devo-os muito. Aprendi com eles a me dedicar ao que gosto de fazer, a me esforçar pelos meus ideais e a ir atrás do que quero, mesmo tendo que desfiar quase todo o trabalho quando o "erro" está no início (lições de mãe). A ter que suar, que lutar para conseguir o que quero, infelizmente não tão cedo o quanto eles que começaram a trabalhar ainda na adolescência (aproximadamente 17 anos), mas sigo o meu caminho, com a certeza que amparam o meu vôo com suas mãos e seus corações. Sou uma imensa parte deles...

Novos Horizontes em Branco

2008-11-27T02:32:00.001-08:00

Escadarias em Serralves

Traçar planos é sempre contar com a previsibilidade temporal. Assim que tracei a linha desta "jornada". Não sabia se me lançava, mas de última hora me lancei. Estava em azuis encontros performáticos e já estava desistindo de me projetar rumo a "novidade". Mas, cá estou. No. 320 dos inscritos, sem muitas esperanças... Fui selecionado. Um dos primeiros. Papéis e mais papéis a serem preenchidos. Cadernetas a serem solicitadas. Carimbos. Reconhecimentos. Cartórios. Burocracia e dinheiro. Rumo incerto. Papéis providenciados, carimbados, reconhecidos e pagos, e tudo já estava pronto. Passagens compradas de ida e volta. E eu em frangalhos... Parti sem choro. Parti rumo ao encontro comigo mesmo. Com a convicção de que aprenderia muito, que encontraria problemas e com eles as soluções. Chegar não foi tão fácil. Dois aviões. Viagens de 8 horas. Comida pouca e filas para carimbar as cadernetas. Grandes aeroportos. "Com licença", "por favor", "onde pego o avião para...". Chego. Em um aeroporto muito pouco frequentado. Pessoas esperam seus parentes com placas e nomes escritos. Procuro alguém, em vão... Não há ninguém a minha espera. Passo por todos procuro um táxi e sigo ao albergue: Oporto Poets Hostel. Uma experiência nova. Conviver com pessoas sob o mesmo espaço. Pessoas andantes. Russos, Belgas, Americanos... Todos se comunicam em inglês... e eu, nada. Só a rir e cumprimentar. Sem muitas linhas de conversas. Na bagagem pouca coisa, pouca roupa, mas a verdade de que tudo haveria de mudar, se para melhor, não sei... Na mala trago dois presentes. Um de Célia Albuquerque para a artista Luísa Gonçalves e outro para uma amiga de Elidete Alencar, Sheila. Passo os dias a caminhar pela cidade. Deixo a ponta do fio no albergue e saio desenrolando pela cidade, tenho medo de me perder. Andar e voltar para lugares conhecidos. Andar a pé. Calças são obrigatórias. Sinto frio, mas uma calma que não sentia. A cidade, mais que centenária, parece abraçar todos que aqui chegam, com sua paz e seu patrimônio arquitetônico ímpar. Mãe de nossa pátria, mas que parece, ainda, resguardar aspectos coloniais em sua sociedade. Uma cidade cheia de velhos. Um país que há pouco tempo se converteu a União Européia e que vive uma crise econômica noticiada nos jornais diariamente. Jornais de papel de graça, distribuídos pelas ruas. Fumaça: churrasquinho? Não. Castanhas assadas e a rua de Santa Catarina colorida com todos os tons de pele e todas as línguas em uma "Geléia Geral" que nem Gilberto Gil e Caetano pensavam. A informação não está só no jornal, as pessoas sabem de cor o nome de todas as ruas e estão sempredispostos a dar informação (de alguma forma tem alguns mal-humorados, mas são poucos). Caminhos percorridos. Uma semana no albergue, com suas cores e sotaques, seus sons e suas comidas... Mas é necessária a mudança. Não é possível pagar por diárias, melhor pagar mensalidades. Vou a Reitoria da Universidade do Porto e depois a Faculdade de Belas Artes para a matrícula em disciplinas. Papelada pronta. Busca já! Entrega de encomendas e saídas. Rua de Miguel Bombarda, Museus...

(continua...)

Chistopher Wool, Serralves, Porto

2008-11-27T02:23:00.000-08:00

CHRISTOPHER WOOL

22 Nov 2008 - 15 Mar 2009

Fundação Serralves
Christopher Wool é um pintor altamente considerado pertencente à geração intermédia que, desde os anos 1980, explora de formas inovadoras e inéditas as principais preocupações da pintura: as relações entre o plano do quadro e as formas a ele aplicadas, os contrastes de cor entre o preto e o branco, o pictórico e o gráfico, o único e o reproduzido. A exposição do artista em Serralves acompanha a migração da imagística abstracta por diferentes meios de representação, nomeadamente a pintura livre e a serigrafia.

Comissário: Ulrich Loock e Julia Friedrich

Co-produção: Fundação de Serralves, Porto e Museum Ludwig, Köln

(texto retirado do site da Fundação)

Museu de Arte Sacra da/e Igreja de São Francisco

2008-11-19T10:35:00.000-08:00

Museu das Catacumbas

Museu de Arte Sacra

Manoel de Oliveira

2008-11-19T10:18:00.000-08:00

Manoel de Oliveira

MUSEU SERRALVES

http://www.serralves.pt

12 Jul - 02 Nov 2008

Esta primeira mostra do trabalho do cineasta no formato expositivo centrar-se-á no modo como Manoel de Oliveira reinventou o cinema através de uma linguagem que lhe é única. Paralelamente está programado um ciclo de cinema, onde serão exibidos no Auditório do Museu de Serralves todos os filmes que Manoel de Oliveira realizou até ao momento. (texto da mostra)

RETROSPECTIVA JUAN MUÑOZ

2008-11-19T09:50:00.000-08:00

JUAN MUNÕZ: UMA RETROSPECTIVA

Museu Serralves

http://www.serralves.pt/

01 Nov de 2008 a 18 de Jan de 2009

DIÁRIO DE NOTÍCIAS (31.10.2008) - Por estes dias, Serralves é um palco. A exposição Juan Muñoz: Uma Retrospectiva, no Museu de Arte Contemporânea, faz do visitante um espectador e um actor, passageiro ambivalente do dito palco. A apetência do artista espanhol (1953-2001) pela figura, frequentemente de inspiração humana, não é alheia a isso, a essa provocação de pôr o suposto observador, também, do outro lado do espelho.A escala, no equilibrar e desequilibrar da relação obra-apreciador, é um elemento decisivo, com o qual Muñoz "brinca" a seu bel-prazer. Logo a abrir o corredor do percurso expositivo, explicitam-no pequenas varandas distribuídas pela parede junto a um letreiro de "hotel". O "transeunte" sente-se numa rua, de algum modo condicionado, na sua liberdade sensorial, pela situação cimeira das varandas - que, aí, não estão sequer ocupadas, dispensam esculturas de forma humana por dentro.As gerações conceptuais já tinham declarado a morte da "personificação" da matéria esculpida quando o artista espanhol, ele sim precocemente morto, a ressuscitou com nova e nobre pertinência. Em termos artísticos, Muñoz é um filho da democracia, um dos primeiros no seu país, cujas tradições pictóricas, literárias, teatrais, cinematográficas e outras evoca abertamente, ainda que sujeitas à tensão grito/silêncio omnipresente nas suas propostas.Por incluir obras-chave de todos os aspectos do trabalho de Juan Muñoz (escultura, instalação, desenho, som), por chegar a Serralves vinda de museus como a Tate Modern, de Londres (que co-produz, com a instituição portuense e a Sociedade Estatal para a Acção Cultural Exterior de Espanha) e o Guggenheim, de Bilbao, a exposição já seria uma "imposição". É-o, no entanto, também literalmente, ou não fosse a ambiguidade a sua matriz.

(Fonte:http://dn.sapo.pt/2008/10/31/artes/as_escalas_humanas_juan_munoz_serral.html)

Avenida de Miguel Bombarda, Porto, Portugal

2008-11-06T11:19:00.000-08:00

De longe, parece uma rua qualquer, com seus cafés habituais, com obras e tudo. Mas ao se andar pela rua percebe-se bandeirinhas roxas que indicam uma infinidade de galerias comerciais em sua maioria com exposição de pinturas e desenho (a maioria realista) - mas é coisa que postarei posteriormente...

Ampu(ta)lheta de Único Vért(e)ice

2008-10-31T11:00:00.000-07:00

Cair em si
os grãos passam
não adianta mexer um litro d´água se não há KI-SUCO
o que compras com o meu desalinho?
Passa e esgota-se...

Tinha uma ponte no meio do caminho / Tinha um caminho no meio da ponte...

2008-10-16T14:08:00.001-07:00

Travessia sobre o Rio Douro, Porto, Portugal, 12 de outubro de 2008

Universidade do Porto

2008-09-10T08:12:00.001-07:00

Reitoria da UP

Fonte da Reitoria da UP

Onde está o PORTO?

2008-09-10T08:07:00.001-07:00

Acordei cedo para resolver a compra do meu telemóvel quando me deparo com esta paisagem da janela. Um frio! E ainda não é a temporada de frio daqui.

URBANUS, Infogravuras, 2008

2008-05-25T05:50:00.000-07:00

clave leis pentagrama controle linhas horizontais ruas hastes crescimento imobiliário notas cabeças da capo início harmônicos condomínios enarmônicos conflitos sociais segunda menor sexo cromatismos crescimento clusters sonoros orgia notação contemporânea comunicação digital inexeqüível loucuras licenciosas ritmo tempo tempo vida ritardando botox notas janelas compasso receita de bolo métrica cabresto modulação evolução melodia felicidade contraponto barreiras timbre personalidade linhas suplementares superestruturas peça conc(s)erto para computador

BULA DAS INFOGRAVURAS

A música escrita pelo compositor, para ser percebida pelo ouvinte, necessita de um intermediário, ou melhor, de um intérprete. Logo uma partitura não é música. Então o que é? Um conjunto de elementos gráficos (linhas e pontos), que apresentam um ritmo visual. Mas nem tudo o que se “desenha” enquanto “música” é executável. Este trabalho é um exemplo disto. Partindo da formação e colocação aleatória de notas e valores estabelecer uma progressão numérica das notas com o propósito da não-execução obtendo um registro formal desta experiência e posterior execução deste conc(s)erto para computador, mostrando as limitações deste meio enquanto formador imagético e sonoro. Estabelecendo uma ponte entre a música, as artes visuais e a tecnologia, a contemplação visual e a percepção auditiva. As peças são fruto do experimento com o software Encore 32 pelo preenchimento dos espaços vazios. E a discussão das interfaces entre os sons (mal-executados) e esta evolução urbana e social, onde a poluição e a comunicação de massa alienam o indivíduo.

O trabalho apresentado é um conjunto de 4 infogravuras sobre papel cuchê A3, com imagens de partituras “pixelizadas” e um texto que servirá como “fio” para a interpretação. Simultaneamente a execução da trilha criada a partir do experimento.

LACUS PROFUNDITUS, performance, 2008

2008-05-25T05:35:00.000-07:00

"A responsabilidade do artista consiste em aperfeiçoar seu trabalho
de modo a que ele possa se tornar atrativamente desinteressante."

John Cage

Há um distanciamento entre o espectador e as obras produzidas na contemporaneidade. Fruto da desreferencialização e despolitização da realidade em que o indivíduo está inserido enquanto espectador e artista, observadores desta arte que se vincula diretamente ao cotidiano, com seus significantes, significados, leituras e vivências. Não fruir a arte produzida e exposta é não perceber o meio em que se está submerso. Alienígena de si.

A atitude escarnecedora sobre esta arte (pós-moderna) pode revelar um indivíduo “insensível” e despreocupado, e gera nos artistas uma volta ao seu propósito primeiro na criação da “obra de arte” -suas intenções-, bem como os valores empregados e convicções sobre o que realmente está produzindo. Levando-o a reflexão.

O riso é revelador e questionador. Música intermitente de ritmo e melodia variável. Contagiante ou constrangedora. Aceptora de canais de significância, de crítica e de mero deleite sensorial.

A performance intitulada LACUS PROFUNDITUS (aprox. 7min.) tem o propósito de questionar e provocar a arte, o artista e o espectador, quanto aos seus meios e poéticas. Partindo do riso como elemento de reflexão.

8 de Maio no CAMPUS - UFRN

2008-05-24T09:45:00.000-07:00

(Fotos: Vicente Vitoriano)

8 de MAIO, dia do artista. Este ano, sob a iniciativa de Vicente Vitoriano, os alunos de Artes Visuais decidiram criar uma mostra no Centro de Convivência da UFRN. Sob temática livre.
O trabalho que decidi apresentar é fruto da pesquisa sobre arte de rua e seus suportes, especificamente os lambe-lambes que Segundo Rodrigo Bruno do coletivo Design STUFF (IN:http://designstuff.wordpress.com/2008/01/28/lambe-lambe/ Acesso em 24 mai. 08)é basicamente um poster de papel colado com cola, geralmente em muros e postes, que há séculos já é usado para a publicidade, divulgação e comunicação (quem nunca viu um lambe-lambe de algum ladrão sendo procurado em filmes de faroeste?), e já está no inconsciente coletivo. Aqui no Brasil, é comum os lambe-lambes para divulgação de shows (os clássicos posteres de tipografia com letras enormes e em duas cores), sendo hoje mais comum a divulgação de shows menores. Se aproveitando dessa técnica, alguns artistas nos EUA começaram a usar o lambe-lambe para intervir na cidade de forma artística."
Certo dia estava passando pelos acessos da Universidade quando vi um pequeno bloco (de lambes superpostos), arrancados da parede e pendurados. Não hesitei. Arranquei. Isso ficou por algum tempo encostado quando surgiu a idéia de molhar e retirar camada a camada. Neste mesmo período conheci alguns trabalhos de Matisse com a técnica do papier découpé e "criei" a técnica chamada papier collé (des)collé (re)collé com os lambe-lambes. No processo de construção do trabalho vi que visualmente a superposição de pedaços criava, visualmente, o efeito da propagação sonora, unindo os pontos da minha pesquisa, entre o musicalismo e a arte de rua. Barulho. Os olhos tentam ler. E a reprodução fonética das letras geram um som confuso e intenso. Mas era necessário criar um contraponto com todo esse barulho. Poluído. Silencioso. Muita informação. Nenhuma informação. A construção da dualidade maniqueísta, a necessidade do silêncio. O trabalho deveria ser colado sobre uma parede, mas para a instalação no Centro de Convivência, achei mais prudente colar sobre compensado e instalar pendurado na estrutura de concreto aparente. O Centro de Convivência, cinza devido a sua estrutura, ganhou temporariamente cor e som, em um espaço silencioso e pouco poluído.

Hoje é dia de Feira!

2008-05-24T06:47:00.000-07:00

Diversdade

Série Vermelhos e Amarelos Lúgrubes
Vermelho-sangue e a palidez amarelo-cadavélica pontuam o quadro da feira. Alimento para carnívoros ou onívoros, com suas películas, suas formas e preparados.

1

2

3

4

5

6

7

8

Série Rendas e Bordados

4

Série Encantamentos da Feira
No meio, na Feira, uma fumaça cheirosa nos convida a contemplação de uma sacaria colorida e igualmente cheirosa. Quase tudo, de chifre a "levanta-defunto" e uma senhora sempre disposta a orientar os fregueses.

Cura para Todos os Males

Para Tapar o Sol

Sacaria 1

Sacaria 2

Sacaria 3

Sacaria 4

Icógnitas Terrosas

2008-05-24T05:46:00.000-07:00

Esperando, 2008 (20x20x22cm)

Leitura dos trabalhos do Mestre Vitalino. Vitalino retratava o homem do campo e suas atividades de subsistência.Foi um dos importantes ceramistas da região do Alto do Moura, que trouxe a região, juntamente com o Mestre Manoel Galdino a discussão sobre os limites entre o objeto de arte e o artesanato. Este trabalho retrata a espera pelo "tempo" e a terra seca de regiões áridas.

Mater, 2008 (8x8x20cm)

Instabilidade, 2008 (frente) (15x4x8cm)

Instabilidade, 2008 (verso)

Mater Terra, 2008 (25x5x10cm)

Eu Vi o Sol Subindo Atrás da Serra, 2008 (25x5x15cm)

Trabalhar com cerâmica é sempre uma icógnita. Inicia-se com um projeto prévio do que se fazer mas não se tem controle total sobre a peça durante o processo de feitura. A plasticidade da argila trata de sempre lançar questões e "formas" a moldagem. As mãos quentes sempre insistem em secar mais rápido as peças e fazer trincas na superfície da peça. Por isso as placas, elas se erguem rapidamente e não é preciso muito contato com a massa (como na técnica dos rolinhos, por exemplo). Nestes trabalhos, há a tentativa da gravura sobre a massa cerâmica com a impressão de "paninhos de crochet". Há a ligação entre essa Mãe Terra (suas rochas) e a representação materna, com sua delicadeza e destreza manual, de onde veio a veia... Essas peças existem só virtualmente, as icógnitas são tantas que não é sabido se resistirão ao forno, ou se tem problemas na massa... Essas peças coloridas são pedaços de uma outra, que durante a coloração com engobe acabou por destruir-se.

Livro: Performance nas Artes Visuais - Regina Melin

2008-05-23T13:31:00.000-07:00

Um artista, enquanto eterno estudante de arte, não, só, produz, ele é um eterno pesquisador como fonte de suas poéticas e experimentações, é necessário ver e ler (ir a exposições e estudar a história da arte) como fonte para a criação de sua poética pessoal e como forma de inserção consciente no meio. Dentro desse hiato criativo (normal! fonte de reflexão sobre o trabalho e sobre si), achei este livro e achei bem interessante. O livro de Regina Melin, Performance nas Artes Visuais (Jorge Zahar Editor), trata da diferenciação conceitual entre a performance, body art e metaperformance, além de tratar dos principais artistas que realizaram performances no Brasil e no Mundo. Além de discutir sobre os desdobramentos na pintura, escultura, fotografia, vídeo-arte, instalações, textos.

Interativos(?) e Contemplativos

2008-05-18T14:27:00.000-07:00

A Capitania das Artes, no ano de 2008, trouxe aos artistas três propostas temáticas: MEA-CULPA, LAMBE-LAMBE ou INTERATIVOS E NÃO-CONTEMPLATIVOS. Na reunião para apresentação das propostas tudo parecia já estar pronto e premeditado, isso com 10 dias para a abertura da mostra, a apresentação dos temas parece ter havido só para tentar que o processo fosse “democrático”. Até o projeto do cartaz dentro da temática pré-escolhida estava lá. A temática da exposição 8 de maio de 2008 “escolhida” foi INTERATIVOS E NÃO-CONTEMPLATIVOS.
Os curadores deste ano Célia Albuquerque e Plínio Sanderson ficaram instigados com a temática e reuniram novamente os artistas para a discussão da temática juntamente com o coordenador do Setor de Artes Visuais da Capitania Ricardo Veriano. Sanderson iniciou as discussões lançando o que viria a ser INTERATIVO, inicialmente, para o curador, remeteria a algo a ser mexido ou burilado, ou algo feito coletivamente (a várias mãos) ou ainda, algo que remetesse a uma mudança na realidade deste expectador, em um processo reflexivo conjurando significados. E posteriormente o que seria CONTEMPLATIVO, que seria atribuir valor por admiração, de deter a vista em um determinado tempo. Estes conceitos parecem tão permeáveis (tantos significados) que se chegou a conclusão de que a interação passa pela contemplação: ao contemplar uma tela e esta chama seus olhos a contemplação ela passa a ser contemplativa, algo que mudaria essa vida do espectador (será?). Chegou a se questionar se até o olhar não seria contemplar. No final, ao ser questionado se haveria veto sobre trabalhos que não se enquadrassem nas questões propostas, Ricardo Veriano disse que poderia “encaixar” trabalhos nesta mostra, uma vez que “o dia é do artista e não da obra do artista” (?).
O que é INTERATIVO? A simples procura em um dicionário (vide um Aurélio...) achamos que é o que há interação e “interação” é a ação que se exerce mutuamente entre duas ou mais coisas, ou duas ou mais pessoas, uma ação recíproca. CONTEMPLATIVO é algo dado a contemplação, que por sua vez é a aplicação demorada e absorta da vista e do espírito, meditação profunda. Logo os trabalhos apresentados deveriam ter essa via de mão dupla entre o espectador e o artista (ou seu trabalho), onde este espectador pudesse dentro dessa proposição (teríamos um artista propositor, como Hélio Oiticica e Lygia Clark fizeram) estaria livre a sua vontade e bel prazer dizer como esta obra seria apresentada até a interferência de um segundo, eliminando assim a possibilidade de contemplação (reduzindo o tempo de observação).
Propostas discutidas, hora do recebimento e montagem da mostra. Neste momento é que se observa se os artistas entenderam a proposta. Por mais que a o núcleo de artes visuais tente “desengessar”, “descalcificar” e abrir este “estado refratário”, observa-se que nada mudou nos trabalhos. Problema. “O exercício dos matéricos conceituais e físicos” (como cita Ricardo Veriano) não foram feitos. O que se notou foi que a exposição foi dividida em 3 partes nitidamente. Uma para desenho e pintura, outra para assemblages e uma principal para instalações (e performance, na abertura) além da exposição dos trabalhos de Thomé Filgueira. E em terra de artistas “modernistas tardios”,como classifica o crítico Vicente Vitoriano a produção artística local, só se pode esperar é uma mostra modernista temperada com pequenas pimentas “contemporâneas”. As datas não foram cumpridas se observava artistas entregando trabalhos tardiamente o que comprometeu a curadoria.
Nas ações da Capitania para o 8 de MAIO estava prevista também uma Oficina de Construção e Elementos da Intervenção Urbana e da Performance com Dácio Bicudo de São Paulo, uma ótima oportunidade para os artistas repensarem sua produção e dialogar com este artista que tem uma experiência interessante com intervenções urbanas. Mas o que se viu foi que não houve um plano de ação: o que fazer(?), quando fazer(?), como fazer(?). O que houve foi um atropelamento destas etapas. Não houve uma explanação teórica sobre o assunto, nem o plano de construção do elemento que comporia o final da oficina para ser apresentada na abertura da exposição. Houve problemas de logística que atrapalharam todo o processo e a falta de planejamento de como aconteceria tal intervenção.
Eis que chegado o grande dia da abertura da mostra. Dia de observar as performances e sua efemeridade instigante. A performance de Ivo Maia, Ovo e Dor, interativa por excelência (graças!) e não contemplativa durante este processo de criação coletiva, com o arremesso de ovos recheados de cor sobre suporte (tela) e essa interação entre artista, trabalho e expectador. A metaperformance (apresentada no Devorando o Fausto) do Grupo Marimbondo Caboco, Guerra Santa (à lá La Fura Del Baus), com suas beatas irritantes e a guerra entre as religiões (hindu, católica, evangélica...) teve um desfecho estranho: como Jesus redimiria toda essa guerra? Faltou um elemento sincrético para o desfecho mais plausível, mas conseguiu atingir o “interativo” onde o público participou, mas não deveriam pedir para que as pessoas interagissem, só sugerir. A body art de Cátia Machado, Óleo, que mexe visão e olfato, pelo cheiro forte do óleo queimado, corpo que se debate neste óleo suplicando por vida, chamando e expectador para interagir com este animal que agoniza em meio a poluição, “tomou o público pela mão”. O trabalho de Ilkes Rosemir onde dentro do seu desenho há a interferência de um desenho infantil que tenta reproduzir o traçado interferindo sutilmente sobre o trabalho final. Assim como o trabalho de Leandro Garcia e Mariana Zulianeli, Interatividade. Mas há um trabalho que quase passa despercebido pelo espectador, a instalação site-especific de Vinícius Dantas, onde se utiliza da stencil-art (impressões no chão) para propor o castigo que pode ser a contemplação, interagindo com os trabalhos expostos.
O que se vê nesta mostra é a falta de planejamento e de preparação que a Capitania ainda tem em suas propostas. Mas há algo de novo: a TENTATIVA de mudar. Mas essas tentativas devem vir com o planejamento adequado das ações empreendidas. É necessário se pensar com antecipação de pelo menos dois meses. No primeiro mês a escolha dos curadores e a primeira reunião com os artistas para que dentro das propostas apresentadas escolham a que interessa ao grupo, dentro disto que se estabeleceria uma série de encontros para a apresentação do tema, bem como linhas históricas recorrentes, como elemento de formação artística e criação destes “matéricos conceituais e físicos”, concordando com Célia Albuquerque que “sem pesquisa experimentação e ousadia, limitamos nossa criatividade”. Para tanto é importante que os curadores não sejam só práticos, mas teóricos do seu trabalho e do contexto em que está inserido, a fim de fomentar nestes artistas não a vontade de mudar, que é bastante problemática, mas de propor experimentações dentro dessas poéticas pessoais em ligação com a produção contemporânea, bem como a liberdade para exercer suas funções. Faltam ações de arte-educação, de acompanhamento monitorado, como elo entre o observador e os trabalhos, possibilitando assim um fio a interpretação, compreensão e fomento desta pesquisa e desta sensibilização que a arte propõe a este que se presta a espectador das artes.

Memória Sonora x Memória Visual

2008-04-05T07:35:00.000-07:00

Série de 6 aquarelas (em construção) sobre música e a Escola de Música da UFRN. Qual o "som" que ouvimos ao nos colocar nestes espaços? Trabalhos que unem a memória sonora a memória visual e aspectos do construtivismo, uma vez que há a construção sobre o espaço e sobre a perspectiva, anulando-a ou construindo-a, criando vácuos no espaço e propondo no trabalho visual a música partindo das linhas, seus ângulos e formas de propaçação do som no espaço.

Estudos de Instrumentos de Sopro e Música de Câmara
aquarela, guache, nanquim e esferográfica sobre papel
2007, 42x29,7cm

Solfejos e Ditados Rítmicos
aquarela, guache, nanquim e esferográfica sobre papel
2007, 42x29,7cm

Conversas, Ensaios e Barulho

aquarela, guache, nanquim e esferográfica sobre papel
2008, 42x29,7cm

Feira do Alecrim

2008-04-05T07:24:00.000-07:00

Desenho à nanquim (desenhado a pincel) colorido com tinta acrílica pela simples pressão (deposição de tinta do tubo) e guache sobre compensado.

2007, 40x120cm

Indígena (série de xilogravuras com interferência, 2007)

2008-04-04T12:52:00.000-07:00

gravuras (xilo) com interferências
2007 - (47,5x32,5cm)

Exercício de Composição

Partindo de uma matriz  xilográfica e da proposição de listras (impressas  pelo rolo de gravura)  criou-se uma composição "estranha",e, posteriormente, o solucionamento partindo da impressão destas matrizes, sobre estas interferências no suporte. Vermelho-Sangue-Urucum. Preto-Genipapo.

Gravuras

2008-04-04T12:09:00.000-07:00

Trabalhos realizados na disciplina GRAVURA 1, partindo de materiais alternativos. Gravura com isopor (EPS), sola de sapato, tinta relevo e crochet, sob a orientação do Mestre Pedro Roberto. Sobre a poética das manifestações populares potiguares.

Araruna
Gravura (EPS)
2007 - (32,5x23,7cm)

 Retirantes
Gravura (EPS)
2007 - (32,5x23,7cm)
Côco de Zambê
Gravura (EPS)
2007 - (32,5x23,7cm)

Lapinha
Gravura (EPS)
2007 - (47,5x32,5cm)

Sol
Gravura (EPS)
2007 - (47,5x32,5cm)

Boi de Reis
Gravura (EPS)
2007 - (32,5x23,7cm)

Dona Redonda 
Gravura (sola de sapato)
2007 - (32,5x23,7cm)

Presépio
Gravura (sola de sapato)
2007 - (32,5x23,7cm)

Nossa Senhora da Cultura Potiguar
Gravura (Tinta Relevo e Chochet)
2007 - (29,5x23,5cm)

3º Salão de Desenho do CEBE-ZN - 3º lugar

2008-04-04T10:47:00.000-07:00

TRABALHO PREMIADO NO III SALÃO DE DESENHO (3º lugar)
Exposição 18 set. a 18 out. 2007

Dona Militana na Rede (Ave, MÃE da CULTURA POTIGUAR!)
Desenho (carvão sobre papel), 2007, 29,7 x 21 cm

Texto retirado do Dicionário Cravo Albin de Música Popular Brasileira:

É considerada a principal guardiã do romanceiro medieval nordestino. Em 1998, participou em São Paulo do espetáculo "Festejando Cascudo" em homenagem ao folclorista Câmara Cascudo promovido pelo músico Antônio Nóbrega.

Participou também do vídeo "Câmara Cascudo, o provinciano incurável" exibido no ano seguinte na TV Cultura. Em 1999, participou do V encontro de Cultura Popular, no Teatro Alberto Maranhão, em Natal (RN). NO mesmo ano, participou do CD "Romances e cantos de excelência" interpretando "Conde de Amarante", "D. Branca", "Nau Catarineta" e "Rei Afonso", todas de autores desconhecidos. Ainda nesse ano, participou do CD "Songa também dá coco" interpretando "Vinheta em Pomaça", de Cleudo Freire e "Romances populares", de autor desconhecido.

Em 2000, gravou o CD triplo "Cantares", no qual interpretou cocos, romarias, desafios e fandangos em temas como "Romance de a bela infanta", "O mouro e a estrangeira", "Inácio da Catingueira", "Boi madingueiro", "Romance de reis", "Mulher malvada", "Coco da lagartixa", "Manuel Passarinho" e "General dos Marotos". Esse trabalho contou com as participações de Antônio Nóbrega, além de Mestre Salustiano e Eusébio Macaíba nas rabecas, Roberto Corrêa, na viola, Dolores Portela no cravo, Luca Reale no clarinete e o maestro Osvaldo D' Amore, da Orquestra Sinfônica do Rio Grande do Norte, no violino. No mesmo ano, participou de shows com Antônio Nóbrega em São Paulo.

Segundo a pesquisadora Leide Câmara: "Dona Militana é considerada a mais importante romanceira do Brasil. É conhecedora de algumas dezenas de peças raras dos romanceiros ibéricos e brasileiros."

DONA MILITANA, Dicionário Cravo Albin de Música Popular Brasileira. Disponível em: http://www.dicionariompb.com.br/detalhe.asp?nome=Dona+Militana&tabela=T_FORM_A&qdetalhe=dis acesso em 01 de abr. de 2008.

PANIS ET CIRCENSIS: há ilusão além da janela. - Salão Abraham Palatinik

2008-04-02T17:42:00.000-07:00

Filha da exposição DITA ET AMBULA, PANIS ET CIRCENSIS é um trabalho em stencil-art-acrílica sobre acrílica sobre Cortina de PVC. Este trabalho deveria ser instalado sobre uma das janelas da Pinacoteca, mas por falhas, de anexação do conceito ao trabalho, acabou por ser fixado em uma das paredes da galeria. É um trabalho, que segue a linha crítica da exposição individual e tem uma poética que versa sobre a identidade, e os processos de alienação, onde o indivíduo está sujeito na contemporaneidade ao processo de desreferencialização do real e a personalização do consumo, como forma de arrebanhamento, por parte da comunicação de massa e perda de sua força política. Ao observar através da janela, vería-se a Prefeitura do Natal, a Câmara dos Deputados e um Fórum.

PANIS (...), Eu, Vinícius e a munganga

DITA ET AMBULA: SETEMBRO 2007 (Galeria Conviv´Art)

2008-03-30T15:35:00.000-07:00

    Uma luz se acende. E nela vejo a luz interior humana, seus problemas e seus limites. Este (o humano) tem prazo de validade (sua morte) e data de fabricação (do ventre), seu atestado, seu certificado, está vivo. Operante de um cotidiano de trabalho, de deveres e direitos. Livre para o seu cabresto, do sistema. Sua luz, sua força. O dever de alimentar e ser alimentado. A experimentação de uma liberdade “não-cabrestária”. Uma fuga. Uma prisão. A morte. Geração (nascimento). Gerações. O cotidiano, o ciclo biológico do nascer, crescer, reproduzir-se e morrer. Como animal não racional, como máquina e seu desgaste. Sua luz interior? Suas manifestações e expressões? Seus anseios? Seus sonhos? O que deixarás para o amanhã? O caos queimará tudo, até a memória de um povo? MANDA E CAMINHA.

Antes da Performance

VITAE (depois da performance)

Vista da exposição

Vista da exposição

Vista da exposição

Vista da exposição

MORTIS

MORTIS (detalhe)

MORTIS (detalhe)

VITAE

Habitat Dadaísta

Desgaste (Em direção a MORTIS)

VITAE: Estudos para Exposição de Setembro de 2007 (Galeria Conviv´Art)

2008-03-30T15:12:00.000-07:00

Para compor o espaço da exposição, pensei em contrapor a Morte (MORTIS - uma parede completa forrada de atestados de óbito) com algo que remetesse a vida (VITAE), e nada mais contrapositor do que atestados de nascimento. Colocando o espactador tanto em contraposição destes elementos, mas propondo uma relação espaço-tempo onde o espectador estaria entre a vida e a morte. O suporte estava quase completo, faltava o principal: a imagem. Pensei em dar uma uniformidade a toda a exposição, escolhendo elementos comuns entre todas (com elementos de estêncil). O processo de reflexão foi imediato. Precisava de uma imagem que mesmo sofrida remetesse a vida, lembrei-me da história de Frida Kahlo (por outras coisas também...) pessoa que sofreu uma grande restrição em sua vida, o seu marido Diego Riviera, e logo uma imagem me veio a mente os corações pulsantes, vermelhos vivos (e vermelho é vida) e os sagrados corações... Mas mesmo na vida a morte continua em sua espreita (mas a morte também não pode ser uma libertação, nestes casos - o de Frida e do Jesus?) : liberdade negra e alada, pássaros.

MORTIS: Estudos para Exposição de Setembro de 2007 (Galeria Conviv´Art)

2008-03-30T14:43:00.001-07:00

Início dos estudos para a exposição DITA ET AMBULA (fevereiro de 2007), partindo da modificação de uma foto, obtive esta imagem que me remeteu aos presos e exilados políticos do período da Ditadura Militar (não só...), concomitante a audição copiosa do CD Tropicália (ou PANIS ET CIRCENSIS - ao qual intitulei outra obra). Construi um estêncil (molde vazado) e iniciei os trabalhos de impressão sobre papel. Papel este que foi cooptado de uma exposição na Pinacoteca do Estado, onde o artista dialogava com o público e este retribuia com a morte de alguém (escrevendo um atestado de óbito)... 400 cópias, que me renderam muitas risadas... e situações embaraçosas para os "copistas"... Esses 400 papéis foram previamente envelhecidos com café e depois impressos com a imagem escolhida... A escolha da temática surgiu devido ao estudo do período da Ditadura, enquanto produção artística e histórias de família que me ajudaram a compor, a fazer o projeto e a exposição, posteriormente.

Mas este impulso para fazer um estêncil veio da observação da arte protesto e suas formas (materiais): estêncil, lambe-lambe, graffiti...

Música 2007 Fotografia

2008-03-30T12:00:00.000-07:00

Onde está a música? Ritmo, chaves sonoras, blocos sonoros e ruídos. Pentagrama, ligaduras e clusters sonoros onde circula a energia, confabulando a música-energia...

al fine

barra de compasso com mudança de armadura e intensidade

próximo compasso

Redução ao Infinitesimail Pedinte

2008-03-30T11:33:00.001-07:00

Partindo de uma fotografia, a redução progressiva e a multiplicação do "eu" como forma de "auto-anonimatização". Largando das premissas e desejos de "celebrização" praticada por programas de gosto duvidoso e de fama ilusória. Um pedinte público de fama e notoriedade, afogado pelo anonimato da venda de flores de chocolate. Todos passam até os que não imaginam que poderam ser este...

Musicalismo e Trabalhos afins...

2008-03-30T04:35:00.000-07:00

Musicalismo

O encontro das artes
A relação entre pintura e outros meios de expressão - como a música, o teatro, o balé, a arquitetura - vem ocorrendo continuamente na História da Arte. Essa relação parece mais acentuada no século XX, com as experiências realizadas principalmente nas artes cênicas e musicais.
Se, na Renascença os grandes mestres idealizavam suas obras como composições de sutil musicalidade, neste século alguns dos maiores nomes das artes plásticas, do palco e da música uniram seus talentos para criar espetáculos envolventes, repletos de magia, colorido e sonoridade. Nesse esforço encontra-se, por exemplo, Kandinsky e Mussorgsky, Picabia e Satie, Picasso e Stravinsky, Matisse e Chostakovitch, entre muitos outros.
A profunda relação que existe entre as artes foi particularmente sentida por alguns pintores. Por isso, com a mesma ousadia demonstrada em suas telas, não hesitam em criar para outros setores.

O som da pintura
Em 1932, baseados em pesquisas de caráter psicológico, o pintor francês Henri Valensi (1883-1960) criou o Musicalismo. Trata-se de um movimento estético que atribui grande importância à "ordem espiritual" e considera a música como arte maior. Segundo Valensi, todos os pintores e os artistas em geral deveriam extrair da música não os temas, mas o "estado de espírito".
Em seu Ensaio sobre a Ressonância Sentimental das Cores, publicado em 1955, Valensi afirma que "o vermelho sugere força e violência; o azul, tranqüilidade e repouso; o violeta, tristeza". Mas, como em qualquer obra de arte, cada detalhe é sempre marcado pela vibração pessoal do autor, desde o primeiro instante.

Uma relação direta e indireta
Os cenários de Kandisky para a apresentação de Quadros de uma Exposição (um conjunto de peças curtas para piano composta por Mussorgsky e depois orquestrado por Maurice Ravel) e os quadros A Música é como a Pintura, de Francis Picabia (1879-1953) e Victory Boogie-Woogie, de Piet Modrian (1872-1944), são três exemplos de relação direta e indireta entre a pintura e a música.
Para Kandisky, a experiência significou a realização de um velho sonho: a descoberta das secretas analogias entre cor e som, elementos qu chegam diretamente ao espírito para fazê-lo vibrar. O artista queria conduzir a pintura à condição abstrata da música, libertando da realidade foras e cores, para que ecoasse o "som interior".
Picabia, por sua vez, quando esteve em Nova York (1913 e 14915), foi seduzido pelos ritmos e cores da grande cidade, inspirado-se neles para uma série de pinturas. Em 1924, o artista criaria o argumento e os cenários de Repouso, "balé intantaneísta em dois atos e um entreato cinematográfico", espetáculo montado em Estocolmo pelos Balés Suecos. Segundo o pintor, "Repouso é um movimento sem fim...O espaço que nossa imaginação gosta de percorrer". Por isso, elaborou um fundo de discos dourados e luminosos a encolvr os bailarinos.
O holandês Mondrian também se apaixonou por Nova York e pela música norte-americana: "considero a intenção do verdadeiro boogie-woogie idêntica à minha pintura: destruição da melodia que é equivalente à destruição da aparência natural e construção através do contraste permanente de meios puros - o ritmo dinâmico. Acho que o elemento destrutivo é demasiadamente negligenciado na arte". Nos últimos quadros que pintou, é possível sentir o ritmo sincopado do jazz e asa luzes coloridas da Broadway.

Extraído do Livro TÉCNICAS DOS GRANDES MESTRES Desenho e Pintura, ed. Nova Cultural; 1986 - pg.234-235

François Picabia (1879-1953), pintor e escritor francês. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX, como cubismo, surrealismo e dadaísmo. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. Suas primeiras pinturas cubistas, eram mais próximas de Léger do que de Picasso, são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas, até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo, de índole satírica. Depois de 1927, abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana, com a superposição de formas lineares e transparentes.
Fonte: HISTÓRIA DA ARTE.COM.BR Disponível em: acesso em 30 mar. 2008
A Música é como a Pintura

(Fonte: http://www.germinaliteratura.com.br/valerio_oliveira.htm)

O amor por Nova York e pelo jazz está presente em Victory Boogie-Woogie, de Piet Mondrian (1943/44, óleo e papel colorido sobre tela - 126x126 cm- Col. Burton Tremaine, Meriden).

Fonte:http://www.minbuza.nl/en/welcome/pictures,gal_kunstencultuur.html?page=17&photo=detail

Trabalhos Afins...

Esse tema é recorrente em meus trabalhos. Iniciei o estudo em Teoria da Música e Canto Lírico na Escola de Música da UFRN, no ano de 2000, e participei do Ateliê de Artes do CEFET-RN sob a orientação de David Júnior (mas sensibilizado inicialmente por Marli Melo) no ano de 2003. E como musicista participei de vários coros da cidade onde pude conhecer e lidar com os conhecimentos adquiridos na Universidade. E praticados posteriormente na visualidade dos trabalhos, lidando com o pentagrama, notas e a propagação do som no espaço. Construtivismo, também... Influências da arquitetura...

Círculo e Linhas
1998, óleo sobre tela, 20x40cm

O Belo e a Essência na Jaula (sob o fio da Liberdade)
2003, Óleo sobre Tela,63x45cm

Dimensões
2004, óleo sobre tela, 20x69cm

Café Clube (Xícara Fumegante)
2004, óleo sobre tela, 80x50cm

Mater (e a minha essência)
2004, óleo sobre tela, 90x60cm

Inocência (a minha irmã Ana Luiza)
2004, acrílica e óleo sobre tela, 68x68cm

Muriú Um - Marinha Musicalista
2005, óleo e acrílica sobre tela

Feiticeiros do Riso
2006, acrílica e óleo sobre tela, 40x120 cm

TRABALHO PARTICIPANTE DA V MOSTRA DE ARTES DO CCSA-UFRN

Sorria, Meu Bem, Sorria!!! (1)

2007, acrílica sobre tela, 40x50cm

TRABALHO PARTICIPANTE DA V MOSTRA DE ARTES DO CCSA-UFRN

Sorria, Meu Bem, Sorria!!! (2)

2007, acrílica sobre tela, 40x50cm

Som Visceral
2007, Óleo e Acrílica sobre tela, 80x50cm

Pianista Urbano (Dedos na Melodia Urbana)
2007, óleo e acrílica sobre tela, 70x60cm

Mangue-BEAT
2007, óleo sobre tela, 60x80cm

"OlhaÊ..."

2008-03-13T05:18:00.000-07:00

(Clique na imagem para ampliar)
Publicado em 13 de março de 2008, na coluna de Vicente Vitorano, no Jornal Diário de Natal.

Exposições e a produção dos alunos de Artes Visuais

2008-03-08T18:15:00.000-08:00

Visitar exposições de arte é um exercício interessante para a observação da produção local (que é reflexo, de certa forma, da produção nacional, quiçá internacional).

Na exposição de Venâncio Pinheiro composta de 12 infogravuras-desenho, em que se parte de um simples desenho (quase naïf) com assemblages digitais (colagens) recriando mulheres e crianças que bailam ao sabor do vento, com título "Musas de uma Ciranda Eletrônica", recharça o valor que um bom desenho e as formas experiencialistas que a arte "informatizada" cria, excluindo a simplicidade do desenho manual "não-informatizado". E muito mais do que isso, sugere um rápido amadurecimento que as crianças experimentam ao adentrar tão cedo nessa onda da "informação-rápida" e extremamente acessível, onde a sexualidade é estimulada rapidamente e os modelos de beleza absorvidos (magreza, escovas progressivas, depressivas e afins). Confirmado, nos longos brincos pendurados, adornos utilizados por meninas-moças (criando uma instalação que dialoga com o trabalho infográfico). O partido tomado é interessante (a assinatura e a sequência) como obras únicas ("prints"), que variam de acordo com as condições e o "manejo" com os sistemas de impressão, uma vez que cada impressão e a utilização de papéis podem alterar a obra, em relação a cor e aos efeitos esperados pelo artista, que em seu foro íntimo sabe especificamente a forma que a imagem deve apresentar-se. O espaço não é um dos melhores e influencia (sim!) o trabalho, a não ser que seja a proposta do artista dialogando sobre a influência que o ambiente e o acesso ao álccol cada vez mais cedo acarreta nesse amadurecimento-precoce.

Outra exposição que abriu neste final de semana foi a exposição da "novaiorquina" Tara DePorte cujos trabalhos já percorreram galerias de Paris, Viena, Nova York e São Francisco. Em sua exposição há apenas 5 trabalhos (pouco para uma artista de tamanha produção e tão interessante, é bom ver e ler o site da artista), mas trabalhos estes que são amostra da arte "neo-expressionista" (como caracterizado pelo crítico Vicente Vitoriano) de temática ser-ambiente, o ser-humano e suas relações com o espaço e com o "outro". Amor. União. Sensibilidade.

Os espaços destas exposições (bares) suscitam outras questões: quais os espaços de arte que Natal disponibiliza? ou melhor há espaços para a arte em Natal? os editais não estariam afastando os artistas dos "cubos brancos" da cidade? Acredito que a cidade ainda tem um déficit grande com relação a disposição dos "cubos brancos". Natal tem se desenvolvido muito rapidamente e absorvido, também, artistas que procuram espaços para mostrar seu trabalho. Em contrapartida o Salão do Município, vitrine da produção local, discrimina as produções não-contemporâneas. É preciso criar espaços onde a arte "técnica" possa dialogar com a arte contemporânea, grandes espaços onde a diversidade possa ser exercida.

Ao visitar essas exposições pude comprovar que não há distanciamento entre a produção dos alunos do curso de Artes Visuais, muito pelo contrário, estamos em um rumo interessantemente "laborioso" com resultados interessantes. Basta um fio condutor, um tema e "esse povo vai longe". Produzir já!!!

Os Tempos são Outros... (ensaio crítico sobre o XI Salão de Artes da Cidade do Natal)

2008-03-06T19:34:00.000-08:00

“‘Os tempos’ são outros...” lança uma senil-senhora ao observar a sociedade pós-Woodstock, ainda que censurada pelo Ministério Público, através de seu aparelho de raios catódicos, em cenas que, em priscas eras pueiris e pudicas, nem imaginava observá-las com tamanho voyeurismo. Talvez seja assim que me sinta ao observar e comparar o X (10º) ao XI (11º) Salão de Artes Visuais da Cidade do Natal. Não por ignorância-anacrônica, mas pela proposta tão instantaneamente posta: um salão de arte contemporânea provocador à produção local de arte. Postura, esta, afim do enorme crescimento que Natal experimenta com seu surto de crescimento urbano com a negação de seus valores e assimilação de valores europeizados, que tem reflexos diretos sobre toda a produção da cidade. Crítica, esta, realizada nos trabalhos de Enio Cavalcante (perfomance, Veias), Edison Braatz (pintura com assemblage, Caranguejo dá em Árvore?), Célia Albuquerque (objeto, Herança II-Caleidoscópio), Alvaro Pereira (colagem, Urbanicidade) e Alberto Giuliani (pintura, Ribeira) que analisam o provinciano conceito progressivista fast-food e parafraseiam Chico Science “da lama ao caos/ do caos à lama/ o homem roubado nunca se engana” e “rios, pontes e overdrives impressionantes esculturas de lama” (para Alvaro, de papelão), espaço roubado e vendido ao capital exterior, VENDA-SE e FAÇA-SE (como meretrizes à espera de seu cliente), sem questões, sem porquês...

É... Os tempos são outros... Até se “congela” o tempo. Superpondo passado, presente e futuro. Ricardo Régis (fotografia digital, À Espera do Tempo), Max Pereira (fotografia digital, Dípticos 1, 2 e 3) e Rodrigo Sena (fotografia digital, Roda Viva), fotografias que apresentam o tempo este eterno passageiro que escorre pelos dedos, sem controle e, por muitas vezes, não percebido em suas nuances. A procura pelo “primitivismo” quase rupestre sintético de Flávio Freitas (pintura, Arquitetura) onde experimenta um reinício, onde pincel e tinta são instrumentos para o desenho, ao exemplo dos kanji, katakana e hiragana (ideogramas e escrita japonesa, à nanquim), coloridos com guache quase fluorescente (cores ligadas a psicodelia “pós-woodstoquiana”, fruto da ingestão de LSD, dietilamida do ácido lisérgico), unindo assim passado e a prospecção que se tinha sobre o século XXI (21), onde as pessoas se vestiriam com roupas prateadas e fluorescentes, contradizendo assim tamanhas as expectativas e afirmando que estamos cada vez mais próximos do passado. Mas, em contrapartida, o grupo Itaitinga Badarô (vídeo, Aracê), coletivo que segue a linha das novas tecnologias e visualidades partindo da experiência de um desenhista (Vinícius Dantas), uma radialista (Rita Machado) e um performer (Diego Andrade), lendo e discutindo a contemporaneidade partindo de um cotidiano-prisão para o sono-sonho de devaneios-libertos.

É tempo... Tempo para a reflexão sobre o que é a arte potiguar e a pertinência do Salão, bem como os critérios. Concordo com Cauê Alves quando ele se refere que o maior problema para a arte seja a ausência de incentivos públicos à produção artística, mas não concordo quando ele cita a cidade como privilegiada com relação ao fomento das Artes Visuais (bem como ações educativas e de palestras), falta na cidade o fomento a exposições (residências artísticas e auxílio montagem), a preservação e o incentivo aos artistas já consolidados no mercado artístico e o fomento aos novos artistas, até o Salão Jovem de Artes Visuais não existe mais. Enquanto mudanças não chegam, acredito em um Salão maior onde a produção contemporânea dialogue com a produção de artistas já consolidados e técnicos, não escolhendo apenas trinta. Traçando, em conjunto, ações de arte-educação com o propósito de tornar o espectador de arte da cidade um fruidor de arte, bem como a formação de público, construindo uma ponte entre o artista e a sociedade. A senil-senhora agradeceria...